SALSA, LATIN JAZZ

PONCHO SANCHEZ

2011-03-20T12:54:00.001-07:00

Nació en Laredo, Tejas, el 30 de Octubre de 1951 pero fue criado en Los Angeles como el menor de once hijos. La música hizo parte de su vida desde pequeño y el mambo, el son, el cha-cha-cha, la guaracha han estado siempre ligados a su apellido. De hecho, es reconocido por la destreza con que interpreta la música Afro-Cubana, el arte del jazz improvisado y los ritmos del caribe.

Fue integrante del grupo de Cal Tjader desde el año 1975 y permaneció con él hasta la muerte de Tjader en 1982. Así mismo, también logró tocar con The Jazz Crusaders en su disco " Happy Again", de 1965.

Por su gran maestría en el ritmo afro-cubano, muchos oyentes se sorprenden al enterarse de que Sánchez no tenga ascendencia Cubana o Puertorriqueña, pero sobre eso él siempre ha dicho que "si uno siente el jazz latino en el corazón, no importa la nacionalidad del intérprete".

En Norteamérica es conocido como "el quinto mejor percusionista del mundo".

ALEXIS ESCOBAR

2010-01-28T09:16:00.000-08:00

Nacio en Venezuela un 21 de Octubre,actualmente se desempeñaba como flautista desde 1995 de la agrupación salsera Bailatino
participo en agrupaciones como:Magia Caribeña, Charanga 90, El Pavo Frank, Pedro López, Alfredo Naranjo, Guajeo, Andy Duran, Joe Ruiz, Orquesta Típica Nacional, Orlando Poleo, María Teresa Chacin, Rubí Pérez y Jimmy Bosch.

Fallece el 27 de enero deL 2010, en el hospital Pérez Carreño de la ciudad de Caracas, a concecuencia de un derrame pleural que habia originado su hospitalización desde hacia varios dias y que lo habian dejado por fuera de la gira que Bailatino realizo por territorio Australiano.

PAZ EN SU TUMBA.

NORO MORALES

2009-07-31T16:11:00.000-07:00

Compositor, director de bandas, trombonista y pianista. Natural de Puerta de Tierra, en San Juan, Norosvaldo ("Noro") Morales nació el 4 de enero de 1911 en el seno de una familia musical. Su padre, Luis Morales, era violinista y desde temprana edad Noro y sus hermanos se sumaron a un proceso de educación musical que los convirtió en grandes ejecutantes. Comenzó su formación estudiando trombón y bajo, al tiempo que sus hermanos se desarrollaban en otros instrumentos: Ismael (Esy) estudió flauta y saxofón; Humberto, percusión; José(Pepito), saxofón; Luis, violín y Alicia, piano.

Cuando apenas tenía trece años de edad, se mudó junto con su familia a la ciudad de Caracas, en Venezuela. Su padre había sido invitado por el entonces presidente venezolano Juan Vicente Gómez para trabajar, junto a sus hijos, como la orquesta oficial del régimen dictatorial. En 1930, Noro y sus hermanos regresan a Puerto Rico.

La agrupación se desintegró pero el pianista continuó sus ejercicios musicales participando en las orquestas de Ralph Sánchez y su sinfónica, Augusto Rodríguez y sus Midnight Serenaders, Carmelo Díaz Soler y Rafael Muñoz.

Durante su estadía en la ciudad de Nueva York( 1937) se lanzó a la faena de reorganizar la orquesta de su familia, nutriéndose del talento de sus hermanos, Ismael, Humberto, José, Luis y Alicia junto a quienes se dio a conocer como la orquesta de Los Hermanos Morales, amenizando en el legendario club El Morocco. En el 1938 la rebautizó como Noro Morales y su Orquesta. Temprano en la década de 1940, Noro residía en un apartamento justo en el mismo edificio donde vivía el compositor boricua Rafael Hernández Marín y su hermana Victoria. Cada vez que a Rafael Hernández se le ocurría una idea nueva para una melodía, recurría a casa de Noro para componerla en su piano, muchas veces con su asistencia. Por eso, y como un gesto de buena voluntad, se encargó que su colega y compatriota fuera el primer músico en grabar aquellas melodías que resultaban de sus encuentros e intercambios amistosos.

De esa manera, el 15 de junio de 1938 asistió a los estudios de Columbia Records a grabar el tema "Ahora Sí Somos Felices", que vocalizó su cantante Pedro Ortiz Dávila ( "Davilita"). En enero de 1942 grabó "Serenata Rítmica" provocando furor tanto en el público latino como el anglosajón. El éxito de ese tema también le ganó la oportunidad de trabajar como músico en un proyecto cinematográfico que estelarizó Jorge Negrete y que fue todo un éxito, al punto que convirtió a la rumba "Serenata Rítmica" en un tema emblemático de la puertorriqueñidad desde la diáspora. En su época de oro integró la Orquesta de Xavier Cugat.

La popularidad de Noro Morales estuvo inscrita en su virtuosismo en la interpretación del piano, su liderato como director de orquesta y su hábil y espléndido desempeño como compositor. Tanta fuerza generó su presencia en los escenarios musicales latinos de Nueva York en los años' 40 y 50 que figuras de la talla de Xavier Cugat, entre otros muchos, no ocultaban su admiración por las melodías del pianista y gozaban de asistir a sus presentaciones para deleitarse con sus formas de ejecución.
"Su estilo y su sensacional sentido de ritmo, y su portentosa precisión, lo convirtieron en el número uno de las improvisadores de montunos interpretados en rigurosos tiempos de rumba", relata el historiador Max Salazar. Noro Morales, que se convirtió en uno de los vendedores de discos más fuertes en el mercado de los años 40, fue poseedor de un sentido rítmico maravilloso que, según los expertos, arropaba al piano y suministraba sentido al contrabajo, las conga, las maracas, el bongó y los timbales.

En la década de 1940 no hubo un club nocturno de prestigio en la ciudad de Nueva York que Nora Morales no hubiera pisado.
Su presencia en los escenarios lo convirtió en el músico de los músicos, además de haberse convertido en el líder de la principal orquesta de rumba en Estados Unidos y Puerto Rico cuya versión de "Tea for two", grabada en 1947, lo llegó a colocar como la figura más popular de la música latina. Hizo presentaciones en los clubes mas famosos de New York: Stork Club, Copacabana, La Conga, and China Doll nightclubs. El New York Daily News seleccionó su orquesta para interpretar su prestigioso Harvest Moon Ball. No obstante, nunca olvidó sus raices de barrio latino de bajos recursos y continuó amenizando bailes en comunidades hispanas. Fue reconocido por el periódico La Prensa, como "El Rey de la Música Latina".

Para los latinos de Nueva York durante la década de los años 40s y a comienzo de los 50s, las palabras “Noro Morales” significaban música bailable excitante. Morales era un hombre obeso que media cinco pies y ocho pulgadas de estatura, y pesaba 280 libras durante la plenitud de sus años. Noro era un héroe puertorriqueño en los años 40s, principalmente por dos razones; la primera, porque algunos de los títulos de las canciones que él escribió llevaban los nombres de varias ciudades de Puerto Rico, y la segunda, porque sus trabajos contenían líricas de Rafael Hernández, las cuales exaltaban la cultura de la isla (1,2). Fue, precisamente, en 1947 cuando la banda de Nora Morales compartió escena frente a frente a la prestigiosa orquesta de Bobby Byrne, en el Glen Island Casino. Ese mismo año reclutó en su batería de músicos el talento del cantante boricua Pedro Rodríguez ("Pellín").
"Nora y yo comenzamos a cantar en 1947 en el (club) China Dolí. También trabajamos en El Palledium con muchos grupos, entre ellos José Curbelo, Tito Puente, la orquesta El Nuevo Ritmo de Cuba y con Joe Fajardo y sus Estrellas. Eran los años de oro de la música latina y en los que Miguelto Valdés, Noro y Machito eran llamado los tres grandes", narró en una ocasión Pellín Rodríguez, en una entrevista realizada por Izzy Sanabria y publicada en 1974.

La orquesta de Noro fue seleccionada para tocar en la posesión del gobernador de Puerto Rico. Un empleado de MGM Records, quien asistió, quedo estupefacto por la música de Noro y le firmó un contrato de grabación. Las grabaciones de Noro de “Puerta de Tierra”, “Chen Chen Ko”, “Isla Verde”, “Capullito de Alelí”, “El Sopón”, “The Peanut Vendor”, “Ponce” y “110th Street and Fifth Avenue”, hicieron de Noro un desafió para Machito. “Ponce”, compuesta por Rubén Berrios, y “110th Street and Fifth Avenue”, por Noro y su trompetista líder, Paúl López, recibieron el mayor apoyo de la radio y de las ventanas de los edificios abiertas, a través del Spanish Harlem (1,2).

La popularidad de la orquesta del aclamado "Rumba Man" comenzó a declinar en los años 50 porque -cuenta el historiador Max Salazar- el músico se negó en complacer al público norteamericano no latino y, a la vez, suavizó su música y perjudicó su reputación ante el público latino que compraba sus discos. De esos años recuerdan las melodías de "Sweet Sue, Just You", "Sheik of Araby", "Song for Rouling Rouge", "Fantasía Mexicana", "No Other Love", "Am I Blue", "Me and My Shadow" e "Istanbul", entre otras. Empero, en 1958 el pianista aparece con el tema "No Blues Noro", grabado para Tico Records, y con el que recobra su sitial. Al arribo del año 1960, Noro Morales regresó a vivir a Puerto Rico, con el ánimo pulverizado y algo enfermo como consecuencia de su condición diabética, al punto de llegar a pesar cerca de 300 libras. La casa discográflca Ansonia Records le produjo los álbumes "Vitamina" y "Mi guajira", al tiempo que se desempeñó como director musical del hotel La Concha en el sector de El Condado, en San Juan.

Por su banda pasaron estrellas que luego alumbrarían con luz propia: Los cantantes Machito (finales de los '30), Tito Rodríguez (mediados de los '40), Pellín Rodríguez, Vicentico Valdéz, Dioris Valladares y Vitín Avilés; los percusionistas Tito Puente, Ray Romero (en el 1942), Sabú Martínez, Manny Oquendo y Rosario; el saxofonista y arreglista Ray Santos, y el bajista Julio Andino. Entre los músicos en su banda musical se encontraban Ray Santos, Jorge López, Raúl Carrero, Juancito Torres, Pin Madera, Ralph Kemp, Pepito Morales, Carlos Medina, Lidio Fuentes, Simón Madera, Ana Carrero, y Vitín Avilés, cantante. Dirigió la Orquesta del Hotel La Concha desde su regreso a la isla en el 1961.

Considerado por muchos como "El Duke Ellington latinoamericano", sentó la pauta para el desarrollo dé la musicalidad afroantillana en un preámbulo a la consolidación del sonido caribeño que dominó el escenario en los años 70 y que se denominó salsa. Fue, sin duda, una de las figuras más prominentes para el desarrollo salsero, al convertirse en la figura latina de más prominencia en el ambiente musical neoyorquino justo cuando las formas melódicas afrocaribeñas definían su curso. En el mapa de la música del Caribe, tres décadas antes del surgimiento de la salsa, Noro Morales fue la figura puertorriqueña de más valor como representante de la rumba y la guaracha.

No hay duda que junto a él otras personalidades de la canción popular -puertorriqueñas y cubanas- jugaron un papel también irrevocable en la confección de las nuevas estructuras sonoras de la música afroantillana, pero, quizás, ninguno con su forma de ejecución y su sensibilidad artística. "Era de los más grandes pianistas que ha tenido América. Su forma de expresión... esos dedos parecían ángeles. Son muy pocas las personas que tienen y han tenido el sentido interpretativo de Noro Morales, y eso es increíble. Jamás tocó, él acariciaba el piano porque Rene (Hernández) era muy bueno, pero Noro tocaba distinto, era un sabor diferente. Cuando la música popular puertorriqueña toma auge de grandeza ya Noro estaba allí. Simpático y buena gente, su trabajo tiene que aparecer en la historia cultural de Puerto Rico como una de sus primeras figuras", sentenció la veterana cantante Ruth Fernández, cuya voz unió al versado pianista en los años 60 para realizar un disco.

Es autor de: "Bim Bam Boom" (guaracha), "Indiferencia" (interpretada por Pellín Rodriguez), "María Cervantes", "No Puede Ser"(bolero), "Oye Negra" (guaracha), "Vitamina", "Walter Winchell Rumba", "What Happened, Baby", "Mi Guajira" (guajira), "Oye Men" (guaracha)...

Discografía: Adiós Muchachos, At the Harvest Moon Ball, Holiday in Havana, Let's Go Latin American, Mambo With Morales, Mambos y Guarachas, Miguelito Valdés Mr. Babalú With Noro Morales Orquestra, Noro Morales en su Ambiente, Noro Morales : His Piano and Rythm, Ritmos del Caribe. Rumba Rhapsody.

Quebrantada su salud por la diabetes, glaucoma y problemas renales, tuvo que ser recluido en el Hospital San Jorge. Allí permaneció hasta el 15 de enero de 1964, donde falleció a la edad de 53 años. Sus restos descansan en el campo santo Puerto Rico Memorial.

Discografía
Let's Go Latin, American, Vik LX-1072
Mambo with Morales, Harmony HL 7039
Adios Muchachos, Riverside 97501
Holiday in Havana, Design DLP 86
Plays Cha Cha Cha's, Design DCF-1008
At the Harvest Moon Ball, Forum SF 9013
Mambos y Guarachas, Decca DL 4535
La Rumba Buena
Serenata Ritmica

1. Salazar, Max. Mambo Kingdom. Originalmente publicado en el magazine Impacto.
2.William P. Gottlieb

RENE TOUZET

2009-06-20T00:08:00.000-07:00

El cubano René Touzet pianista y compositor cubano nacido en la ciudad costera de Cojímar, al este de La Habana el 8 de septiembre 1917. Estudió en La Habana con los maestros Pérez Sentenat y Joaquín Nin, y a la edad de 16 años ganó el prestigioso primer premio del conservatorio Falcón., En su juventud dirigió la Orquesta Casino Nacional de la Habana. Más tarde se unió a la orquesta de Enric Madriguera en los Estados Unidos, para después formar su propio grupo de jazz. Sus mas de 500 canciones y boleros inmortales como La noche de anoche, Estuve pensando y Me contaron de ti , han sido grabadas por los más famosos intérpretes incluyendo a Frank Sinatra y Bing Crosby quienes interpretaron una versión de su tema inolvidable No te importe saber (let me love you tonight), , que dice aquello de "no te importe saber / que mi boca / besara otra boca una vez, / pues no hay huellas / ni existen recuerdos / que no borres tú.
Otra de sus obras famosas, El loco cha-cha-chá, fue inspiración del Louie Louie que Richard Berry compuso y llevó a la fama.

En 1946 se unió a la de Enrique Madriguera en Estados Unidos. Enseguida se trasladó a Hollywood y creó su propio combo, los Cha Cha Rhythm Boys, con el que grabó varios discos. Tocó también con las orquestas de Xavier Cugat y Desi Arnaz.
Las composiciones de Touzet fueron precursoras y banderas del movimiento del feeling, que en la década de los cuarenta revolucionó el panorama musical de la isla, con su forma peculiar de expresar la emoción y el sentimiento en la canción, cultivado por figuras como César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez, Ñico Rojas, El Niño Rivera y el pianista Frank Emilio Flyn.
Además de crear e interpretar temas populares, Touzet fue un virtuoso del piano y un músico versátil que compaginó los boleros y el cha-cha-chá con el jazz latino. También fue autor de algunas obras de música clásica.
La muerte de Touzet el 15 de junio del 2008 provocó gran conmoción entre los músicos de la isla. El cantante de Buena Vista Social Club, Ibrahím Ferrer, recordó que "su talento significó mucho para la música cubana". "Fue un pilar, y cada vez que se va uno de estos grandes músicos las cosas no son iguales", dijo Ferrer, de 76 años.
Hasta el último momento fue una persona muy productiva", dijo su hija, Olivia Touzet de Martínez, recordando que el artista, fallecido de complicaciones cardiacas el domingo a los 86 años, creó una composición hace tan solo una semana.

NO TE IMPORTE SABER

No comprendo, me dices,
cómo es que siento
este amor tan vehemente sólo por ti.

No concibes que pueda quererte
con todas las fuerzas del alma
porque tengo un pasado.

No es que quiera decir
que tú has sido
el único amor para mi
y que el beso que aún siento ardiente
ha sido el primero.

Sólo sé que en la vida es preciso
saber esperar y callar
para al luego alcanzar
lo que tanto anheló el corazón.

No te importe saber que mi boca
besará otra boca una vez
pues no hay huellas
ni existen recuerdos que no borres tú.

Tu cariño me ha traído un algo,
un no sé qué
que no dejan que mis ojos miren
más que hacia ti.

Autor: René Touzet

Homenaje a una mujer con berraquera. Magda Isabel Fonz Cabrera.

2009-05-21T19:34:00.000-07:00

Nacío en Emiliano Zapata, Tabasco, un 7 de diciembre de 1967.Sus padres, Segismundo y Ana, han sido el apoyo y sustento para llevar un camino en las artes desde la edad de 3 años, cuando empezo a tomar sus primeras clases de folclor.

En 1974, cursaba la primaria y al mismo tiempo formaba parte del Ballet Folclórico Infantil del Municipio, clases de Ballet Clásico y clases de piano.

Con el Ballet Folclórico Infantil recorrió buena parte de la república Mexicana, 3 medallas de Oro en los juegos nacionales del DIF, y representación de México en Cuba y Canadá.

En 1982 en la Cd de México a la edad de 16 años curso el Bachiller en la UVM, ingreso al CEA de Televisa, y se dedico en los tiempos libres a los bailes de salón donde su fuerte fue la salsa.

En 1985 regreso a Villahermosa y se inscribo en la escuela de artes CEIBA en el área de danza.

En 1988 regreso a México e ingreso al Ballet Independiente de Danza Contemporánea y en 1992 curso estudios en Cosmetología, Belleza, Asesoría de Imagen, Analista de Color y Maquillaje Profesional lo que la llevo a participar como maquillista en Miss Universo 1993 que se realizó en la ciudad de México.

En todo este tiempo llevo a cabo una colección importante de música afroamericana que en 1996, un 30 de Noviembre, la llevó a diseñar un programa de radio histórico musical:

SALSABOR

Esta 1ra emisión fue para MVS Radio Globo 100.1 FM que se encuentra en Emiliano Zapata, trasmitiendo dos horas sábados y domingos; el éxito inmediato la llevó a trasmitir de lunes a domingos en sistema combo, para 620 am Globo que se ubica en Villahermosa y Globo 100.1 FM.

El Festival Acapulco 98 fue su primer trabajo de entrevistas el cual no ha cesado en los 11 años que a la postre tiene Salsabor. Allí entrevisto a Olga Tañon, Manny Manuel, Placido Domingo, Limite, Raúl Diblassio, Cava, Fey, Benny entre muchos otros.

El Festival Afro caribeño en Veracruz y el Festival de la Cultura del Caribe en Can Cún le dieron oportunidad de entrevistar a grandes de la música afroamericana como:
Andy Palacio, Banda Olodum, Rubén Blades, Osvaldo Ayala, NG la banda, Jerry Rivera, Merenglass, Septeto Turquino, Orq. Fascinación de Venezuela, Gpo. Paracumbé de Puerto Rico, Gpo. Cañambú de Cuba, Wilfrido Vargas, Orq. Guayacán, Tongolele, Armando Crisantos del Ballet Garifuna de Honduras, Juana Bacallao, Estrellas Cubanas, Feyobe, Osmani Paredes, Oscar Chávez, Quinteto Mocambo, Pregoneros del Recuerdo, entre otros.

En 2001 viajo a Cuba y logro entrevistas con La Charanga Forever, Isaac Delgado, Harold y Yussef Díaz, Tumbao Habana, NG la banda y Virginia y su orquesta.

Ha viajado fuera de Tabasco para poder entrevistar a grandes artistas como Tito Puente en marzo del 2000, Los Van Van en Mérida y Veracruz, Orquesta Anacaona, Israel Cantor, Willie Colón, Francisco Céspedes, David Torrens, Amaury Gutiérrez Gilberto Santa Rosa, N´klabe, Willy Chirino, Hawái 5-0, Dayron y el Boom.

En Villahermosa: Pancho Amat de Cuba, Gpo. Niche, Albita, Eddie Santiago, Sonora Santanera, Sonora de Margarita, Germán Montalvo, Omara Portuondo, Raúl Ornelas, Oscar D´león, Sergio Esquivel, Orq. De Enrique Jorrín, Pablo Milanés, Alejandro García Virulo, Gpo Yerberos, Eugenia León, Fabby, Salvador Manrique, MJ salsa, El Trombón Mágico de Cuba, Acereko, Orq. Guayacán del Ayer, Lupita D´allessio, Francisco Javier entre otros.

Formo el 1er Club de Baile de ritmos afro caribeños en febrero del 2005 en la ciudad de Villahermosa, logrando bailar para los festejos de la Independencia de Colombia de colombianos radicados en Villahermosa y para los festejos de la Comunidad Cubana en Tabasco. Con este grupo tuvieron presentaciones en la ciudad de Villahermosa tanto en plazas como en foros culturales y en algunos municipios.

También realizo el 8vo y 9no aniversario de Salsabor con un gran evento de bailes y música registrando más de 1300 personas en el Mambo Café de Villahermosa.

En 2005 asistió al 1er Congreso Internacional de Salsa en México.

A la fecha, sólo ha tenido 3 casas radiofónicas: Globo 100.1 y 620, Extremo 97.3 y XEVA 790 am, donde aun trasmito de lunes a viernes.

Este 2007 Salsabor cumple 11 años al aire.

Agrega Magda: Creo que trabajar en lo que uno ama, da la fuerza, constancia, creatividad y disciplina para desarrollarse cada día más y mejor.

Agradezco cada día a los que me han dado la oportunidad de desarrollarme y a los que me han transmitido sus conocimientos.

El baile y la música son el tesoro que tengo para desarrollarme en lo profesional y en lo personal. Cada día hay nuevos retos que trabajar, donde mi competencia más real es conmigo misma. Trabajo para el disfrute de los demás, y al hacerlo, gozo plenamente de lo que hago.

MAGDA FONZ
magda@salsaborfm.com

http://myspace.com/salsaborconmagdafonz

Escuchala atraves del 790 AM xeva de 5 a 6 pm hora de mexico, o por http://www.salsaborfm.com/

MEDELLIN LATIN JAZZ ALL STARS EN CONCIERTO

2009-05-03T05:59:00.000-07:00

De nuevo y con más sabor que nunca se presenta una orquesta musical sin precedentes conformada por talentosos jóvenes músicos de la ciudad de medellin pertenecientes a exitosas bandas como la república, siguarajazz y sonora8 entre otros.

La cita es el viernes 8 de mayo a las 8:00 p.m. en el teatro panamericana (Av el poblado {crr43A} # 6 sur 150 frente a oviedo), un escenario único en cuanto a condiciones acústicas se refiere.

INVITACION FIESTA DE CUMPLEAÑOS DE LA REVISTA EL SONERO DE BARRIO

2009-05-01T23:35:00.000-07:00

CUMPLEAÑOS DE LA REVISTA EL SONERO DE BARRIO

Organizador:JUAN CARLOS ÁNGEL

ANGEL MENDEZ

2009-05-01T23:16:00.000-07:00

PERIODISTA FUNDADOR DE LA REVISTA SALSERA SWING LATINO, DE VENEZUELA,
SU BIOGRAFIA Y ENTREVISTA EN EXCLUSIVA POR JUAN CARLOS ANGEL, DIRECTOR DE LA REVISTA EL SONERO DEL BARRIO

LA PUEDES VISITAR EN EL BOTÓN
LO NUEVO
http://www.elsonerodebarrio.com/index.php?option=com_content&view=section&layout=blog&id=14&Itemid=31

LO QUE SUCEDIO CON LA FANIA EN MEDELLIN

2009-04-17T06:54:00.000-07:00

Estrellas Fania en firmamento paisa

Por Rolando Posada
.
Para SalsayTimbal.com Tu Portal Salsero

Una noche inolvidable para siempre, esa fue la que nos regalaron las estrellas de la Fania en Medellín la noche del 14 de marzo, noche que paso a la historia salsera de nuestra ciudad, la cuarta noche que el legendario imperio Fania poso a sus estrellas en Medellín, después de venir por primera vez a nuestra ciudad en 1996 con un Andy Montañez quien por primera vez hacia parte del equipo, con Willie Colon y con la recordada guarachera Celia Cruz, de regresar dos años mas tarde con Bobby Cruz a bordo y de retornar en el 2004 trayendo consigo figuras nuevas dentro del elenco como Héctor Casanova, el consagrado equipo musical creado hace más de cuatro décadas por Pacheco y masucci convirtió la noche del 14 de marzo en la memorable noche, en la cual Las estrellas de la Fania a Medellín, “Vinieron pa gozar”

Y quiero comenzar hablando netamente de lo positivo de esta inolvidable noche ya que considero que esta “cúpula de generales” estuvo por encima de las irregularidades que se pudieron haber presentado dentro del marco de la organización del evento.

La nomina

Los integrantes de Fania All Stars que estuvieron en Medellín fueron:

Jhony Pacheco, Papo Luca, Eddie Montalvo, Reynaldo Jorge, Héctor Bomberito Zarzuela, Louis Garcia, Bobby Valentin, Alfredo De La Fe, Roberto Roena, Roberto Rodríguez, Leopoldo Pineda, Nicki Marrero, Adalberto Santiago, Ismael Miranda, Ricardo Ray, Bobby Cruz, Cheo Feliciano, Ismael Miranda e Ismael Quintana.

“Oye que rico suenan, las estrellas de Fania”

Pasadas las once de la noche fueron desfilando cada una de las leyendas de la salsa que Fania trajo a Medellín. “Descarga Fania” tema que siempre abre sus conciertos hizo que la piel de muchos se erizara. Adalberto Santiago comenzó por ponerle “Dinamita” a la noche y con “Quitate La Mascara” encendió a lo largo y ancho a la multitud que aplaudió a más no poder, su voz se conserva firme y potente como siempre.

“Adoración” fue la que el público salsero le profeso al Maestro Ismael Quintana, su presencia se constituuó en una de los momentos mas emotivos y gratos, Ismael quien ya estaba retirado del ambiente musical desde hace varios años nos puso a delirar con “Mi Debilidad, Puerto Rico y Adoración”, aunque los años no han pasado de largo y la voz no es la misma, esa entereza, esa entrega y profesionalismo del maestro Quintana fueron motivo de un inmenso aplauso y reconocimiento del público paisa.

“El niño Bonito de la Salsa” Ismael Miranda varió un poco el repertorio que siempre le habíamos visto con Fania acá en Medellín en sus anteriores presentaciones , “Maria Luisa” entono a todo pulmón a “Caretas” y bailo con “Así se compone un son”. La voz de “El Jibaro Aguadero” sigue intacta, brillante como siempre.

Familia!!! Cheo Feliciano, de Borinquen paso a ser “El Niño Consentido de Medellín” y es que Cheo siempre es el mas carismático, el que se roba los aplausos, el más ovacionado y querido por los salseros de la capital antioqueña, Cheo nuevamente acompañado de su “Anacaona”, le echo semilla a la maraca para entonar su inmortal “Ratón” y el homenaje póstumo a la memoria de Ralph Mercado vino con “Sobre una Tumba Humilde”, una de las canciones más cantadas por el público y es que este tema es casi un himno en la idiosincrasia salsera de la ciudad.

Los Durísimos, sonaron así, Duro!,al ritmo del bestial sonido de Ricardo Ray, Bobby Cruz a dúo con público salsero entono “Jala Jala”, “Sonido bestial” y nos regalo el legendario numero “Ahora vengo yo”, Eddie Montalvo y Nicki Marrero momentáneamente les cedieron las congas y los timables a Diego y Jimy Gale, músicos antioqueños invitados por los dos Boricuas para hacer una descarga memorable.

Cada uno de los músicos se lucio en lo suyo, y aunque la dirección musical realmente estuvo a cargo del maestro Louis García, mas que como un acto de presencia y reconocimiento diría yo, al frente de la orquesta, donde siempre ha estado en mas de cuatro décadas, estuvo el legendario Jhony Pacheco, un poco golpeado por los años pero recibiendo el mismo reconocimiento que el público le profesa por su trayectoria y todo su aporte para la música latina.

La despedida como siempre con “Quitate tu” y así se cerro una noche “inolvidable para siempre” en la que se derrocho “salsa y maña con las estrellas de Fania”, un concierto para no olvidar, sensaciones extraordinarias percibidas por aquellos que llevamos la salsa en la sangre y en el corazón, emocionante, espectacular, y los calificativos se quedan cortos para describir una noche que paso a la historia una noche que quedara en el recuerdo de quienes vimos en vivo en nuestra ciudad por ultima vez (ojala me equivoque) a la Fania All Stars.

Aunque como lo cite anteriormente, la presentación de Fania como tal estuvo por encima de todos los lunares o“arandelas” que rodearon este concierto, si es conveniente mencionar algunas situaciones que se tejieron alrededor del evento.

Primero la ya bastante mencionado del sitio, un lugar inadecuado para este tipo de conciertos, una carpa de circo en todo el sentido de la palabra sin las condiciones mínimas de logística requeridas, sin los suficientes servicios de baños públicos para la cantidad de gente presente, y aunque las personas ubicadas en la localidad de platino no sentimos las consecuencias del agua, es inconcebible que se pague una boleta de $ 75. 000 como el caso de las personas de V.I.P para soportar un “pantanero” y en la localidad de general ni se diga. La venta de licor también tuvo sus quejas y en demacia, las cajas tanto de ron como de aguardiente se agotaron rápidamente y casi en tiempo record, obviamente produce más ganancia si se le vende a las personas por medias o por botella que por cajas. Teniendo lugares con mejores condiciones para este tipo de conciertos en la ciudad, la única conclusión que uno saca para que este evento se halla presentado allí son los costos para los empresarios que seguramente en otro lugar con mejores condiciones hubiesen sido más altos.

Los teloneros.

Seguramente abrir un concierto de Fania All Stars puede ser un honor para cualquier artista pero también puede ser un arma de doble faz. Nacho Acero cantante de salsa romántica que seguramente en su genero romántico puede ser muy bueno con un gran presente y futuro, pero a modo personal considero no era el tipo de artista para abrir un concierto de Fania all Stars, más halla de quiso de entrada congraciarse con el público iniciando con “El Cantante”, su repertorio y su estilo desentonaron, no era el concierto para él, ni era el artista para el publico, Afortunadamente después de eso vino El cuarteto Cien Fuegos con una buena dosis de salsa con el perfil del público allí presente, en la primera canción hicieron olvidar lo antes visto.

Cuarteto Cienfuegos

Siempre Fania se caracterizo por tener al frente grandes maestros de ceremonia, simphoni sid, Aníbal Vásquez, izzy Zanabria entre otros, sin desmeritar a las personas a las cuales se les encomendó esta tarea pues cada uno son profesionales en sus diferentes medios, el hecho de tener en determinado momento hasta cinco locutores pertenecientes a dos emisoras de salsa romántica de la ciudad y cada uno tratando de hacer la mejor publicidad para su emisora, atribuyéndose el ser las emisoras salseras de la ciudad , se vio feo, hablaban hasta mas de sus respectivas emisoras que del concierto como tal.

Ni hablar de la desinformación tremenda de uno de los presentadores cuando minutos antes de Sali Fania anunciaba la presencia de Andy Montañez cuando en la rueda de prensa del dia anterior se dijo muy claro que Andy no vino, también minutos antes continuaban desde tarima anunciando la presencia de Lalo Rodriguez entre la nomina de Fania mientras Lalo se encontraba en su casa en Miami.

Y es que desde un principio no hubo claridad sobre esta presentación de Fania, artistas que siempre se anunciaron y nunca estuvieron confirmados, el caso de Wilie Colon a quien desde el principio anunciaron aun cuando el mismo día de la presentación de Fania en Bogota tenia pactado desde hacia mucho tiempo un concierto en Perú el cual no realzo por motivos de salud, pero la presencia de Colon en Colombia nunca estuvo confirmada mas halla de lo que lo hayan anunciado. Se anuncio por primera vez la presencia con Fania de Lalo Rodríguez, situación que el artista desmintió y tristemente hasta minutos antes del concierto lo seguían anunciando. Yomo Toro también hizo parte de esos artistas con los cuales promocionaron el concierto y tampoco vino, según el maestro Toro su no presencia se debió a que fue maltratado por los empresarios y que le dijeron que ya tenían otro Yomo Toro.

Es importante que se traigan esta clase de eventos al país y a la ciudad, a los promotores y empresarios gracias por permitirnos apreciar estos magnos espectáculos. Cositas que corregir pues así como se les agradece el que traigan grandes artistas también hay un publico que es el que llena los conciertos que merece toda la claridad y el respeto.

agradecimientos:
www.salsaytimbal.com

Rubén Blades en 26to Dia Nacional De la Salsa "Vale mas Un Guaguancó"

2009-04-06T06:20:00.000-07:00

Agradesimientos a Alexies Aviles

Eventos Mundiales

2009-03-30T17:49:00.000-07:00

Salsa Latin Jazz se complace en anunciar los eventos que nuestros amigos en el mundo, se encuentran realizando.

Para empezar, nos llega esta informacion por parte de Andres Diaz (Pachanga), invitandonos a la Conferencia del Sociologo Puertoriqueño Angel Quintero, quien estara los proximos dias en la ciudad. El evento es de gran importancia para la ciudad y en especial la salsa ya que Angel Quintero es una autoridad en la reflexion historica sobre la salsa y sus motivaciones y relaciones sociales entorno a ella. Les recomiendo la consulta al libro, Salsa, Sabor y Control que es de su autoria.

Lanzamiento del libro:
Cuerpo y cultura.
Las músicas mulatas y la subversión del baile
de
Ángel Quintero Rivera
Sociólogo puertorriqueño
Jueves 2 de abril
7:00 p.m.
Salón Rojo
Biblioteca Departamental

Presentan:
Alejandro Ulloa
Darío Henao Restrepo

Invitan:
Facultad de Humanidades
Escuela de Comunicación Social, Facultad de Artes Integradas
Universidad del Valle

Nuestro Dj amigo "El cuco de la salsa", nos invita acelebrar todos los sabados y domingos de la mejor rumba latina que podras encontrar en Paris (Francia), este Colombiano (de cali ve!) hace de las delicias del publico en "Le saint Discotheque" con la presentacion de "El Zapateo Latino" y en compañia de Dj Luisito (del peru) y Luis Manuel (quema, quema).

Por otro lado, el inigualable Jhon Music (Colaborador y miembro de SalsaRed), nos hace la invitacion para este 4 de abril, para que disfrutemos de la audicion programada en "Suena la Quija", denominada tremenda golpiza, la tematica sera de caracter libre y con enfasis en montuno y guaguanco, el evento lo organizan Oscar A. Posso & Jhon Music, asi que no se lo pierdan.

Y volviendo al antiguo continente, nuestro amigo DJ Andrex, mas conocido como "el Killer de la salsa" nos hace participe de la presentación del gran Ray de la Paz en la discoteca Jala Jala en Madrid (España), esperamos que sea todo lo esperado amigo Andres y nos puedas obsequiar la entrevista que tienes pendiente con el musico........

Y por ultimo pero no menos importante, desde Elizabeth New Yersey, mi querido hermano Benkos Quiñones, nos invita a gozar en Escalona Bar (localizado cerca a la estacion de trenes de NJ) de su "Herencia Latina" Salsa Club, en un esfuerzo por preservar nuestra musica afrolatina.

No se olviden de visitar www.salsajazzconcept.blogspot.com

MEDELLÍN LATÍN JAZZ ALL STARS

2009-03-29T15:05:00.000-07:00

En el Marco del programa LOCAL EN GLOBAL Arte escénico para el Mundo, el martes 31 de marzo, a las 8.00p.m., el Teatro Pablo Tobón Uribe en convenio con Merlin Studios presenta:

MEDELLÍN LATÍN JAZZ ALL STARS

NUEVOS TALENTOS

Este fascinante proyecto de experimentación sonora surge de la reunión de talentosos instrumentistas de las mejores agrupaciones de música latina de Medellín, lo que hace que este sea un proyecto musical sin precedentes en el País.

MEDELLIN LATIN JAZZ ALL STARS es la generación musical más prometedora que ha dado la ciudad de Medellín y el concepto y sonoridad explosiva de su música hace de éste grupo el comienzo de una nueva perspectiva musical Colombiana.

Los integrantes pertenecen a agrupaciones reconocidas en todo el país, como son Banda la República, Siguarajazz y La Sonora 8, músicos profesionales en su mayoría, graduados de facultades de música de la Universidad EAFIT, Universidad de Antioquia y del conservatorio de Cuba.

Boletería: $ 20.000 y $ 15.000

Descuentos del 20 % si es estudiante ( Con carné vigente), persona en situación de discapacidad, tercera edad, y del 10% si es participante del la asamblea del BID ( acreditado

Informes: 239-75-00

416-02-30

Banda la República www.myspace.com/bandalarepublica

Siguarajazz www.myspace.com/siguarajazz

Sonora8 www.myspace.com/lasonora8

LA FANIA EN MEDELLIN

2009-03-14T17:24:00.001-07:00

La Fania descarga salsa y nostalgias en Medellín

2009-03-14T14:00:00.000-07:00

por Juan Carlos Monroy G.

Todo está listo para la descarga de música de las figuras de la salsa que convirtieron a la Fania All Stars en la legendaria agrupación de la música latina y un ícono del género. Tras el concierto en Bogotá, hoy es el turno de los salseros de Medellín de hacer un viaje por 45 años de historia musical.

La presentación de la orquesta a la que se atribuye parte de la consolidación de la salsa en el mundo, vuelve a despertar la nostalgia entre los viejos melómanos de Medellín que crecieron que crecieron cantando al compás de canciones como Mi Gente, El Ratón, que bailaron hasta el agotamiento el ritmo frenético de Sonido Bestial y Azuquita Mami, o llevaron una pena de amor con Ausencia. Pero también atrae a las nuevas generaciones de salseros, que reconocen en los veteranos artistas su talento y aporte a la música latina.

Cantantes Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Richie Ray y Bobby Cruz, Adalberto Santiago, Ismael Quintana, Lalo Rodríguez y reconocidos músicos como el bajista Bobby Valentín, el trompetista Luis Perico Ortiz, el timbalero Nicky Marrero y el gran pianista Papo Lucca ya respiran el ambiente previo al concierto hospedados en Medellín. Ya sin el corte afro y las pintas de los años setenta que los inmortalizó en tantos discos que reproducen sin descanso las salsotecas de la ciudad y atesoran los coleccionistas, los artistas prometen lo mejor de su repertorio con la fuerza de una orquesta que siempre gustó de las descargas, de improvisar sobre el escenario con los solos de sus percusionistas, pianistas y las moñas de sus trompetistas y trombonistas. El sonido que tanto reclaman los salseros con nostalgia.

La ausencia de cantantes y músicos estelares como Héctor Lavoe, Pete “Conde” Rodríguez, Celia Cruz o Juancito Torres, entre otros, es la melancolía de muchos seguidores de las Estrella de Fania. Pero en compensación para los salseros el concierto de esta noche en la carpa Cabaret tiene varios ingredientes adicionales a esta salsa añeja. La convocatoria para este espectáculo logró el regreso de Ismael Quintana, el veterano sonero puertorriqueño de 72 años, quien hizo historia como cantante de la orquesta La Perfecta de Eddie Palmieri y en las estrellas de Fania. “Es una gran satisfacción tenerlo de regreso, él estaba retirado y no quería volver a cantar, no creí que pudieran convencerlo”, contó el bajista Bobby Valentín.

Otro atractivo es la presencia de nuevos músicos de renombre en el ambiente salsero actual, que no hicieron parte de la Fania All Stars y que hoy se presentan en los puestos de históricos de la orquesta ya fallecidos como el legendario trombonista Barry Rogers y el trompetista Juancito Torres. Uno de ellos iba a ser el trombonista Jimmy Bosch, pero al final no podrá estar en Medellín por compromisos del músico en otro concierto.

Por el desquite musical en Medellín

También se espera que la presentación en Medellín supere el malogrado concierto del jueves en Bogotá. Ya hospedados en Medellín, varios artistas lamentaron el mal sonido y las diferencias con Carlos Santana y sus músicos de en Bogotá. “Estábamos desacoplados porque ningún músico podía escuchar al otro. Nos apagaron el sonido de la tarima”, aseguró el cantante Bobby Cruz en la rueda de prensa.

Otros calificaron de irrespeto el hecho de no informarles por parte de los organizadores que Santana se presentaría después de la Fania, pero sobretodo, no permitir que los salseros y el guitarrista se presentaran juntos al final del concierto.

Por estos problemas en Bogotá, los integrantes de la Fania all Stars esperan que en Medellín sea su desquite musical. Y para muchos salseros, por las edades avanzadas de la mayoría de artistas, el concierto será una de las últimas oportunidades de ver sobre el escenario a algunas de las voces y músicos que convirtieron la salsa en uno de los géneros más importantes de la música, al enriquecer los viejos ritmos antillanos con arreglos modernos y darla a conocer fuera de las fronteras de Latinoamérica y superando las barreras del idioma. A pocas horas del espectáculo, muchos salseros ya entonan ese viejo pregón que durante cuatro décadas marca la llegada de la constelación de estrellas a un escenario en cualquier parte del mundo: “Oye que rico suenan, las estrellas de Fania”.

Hablámos con tres de los salseros sobre su presentación en Medellín….

Richie Ray

¿Qué traen para el público salsero en Medellín?

“Es la primera vez en más de 30 años que venimos a Colombia con la Fania porque cuando la orquesta empezó a viajar aquí Bobby Cruz y yo nos hicimos cristianos y nos retiramos. Vamos a interpretar los éxitos de tantas décadas atrás, a descargar mucho y en nuestro caso vamos a interpretar un tema que fue éxito en Colombia que es Ahora Vengo Yo, que hace años no hacemos y que será una de las sorpresas del concierto”.

¿Pesan más los buenos recuerdos o los problemas que rodearon a Fania para este reencuentro?

“Son más de 40 años de historia. El grupo tuvo problemas, resentimientos, celos entre sus integrantes, pero cuando hablo con todos mis compañeros les digo que estos reencuentros son para recordar los buenos momentos que vivímos y unir los lazos de amistad. El ambiente ha sido muy bueno, de chistes, de vacilón entre todos, queremos tocar juntos y eso es bueno para la música”.

Bobby Valentín

Regresa a Medellín después de 13 años de su última presentación con la Fania.

“Estoy complacido, porque por mis compañeros que han ido estos últimos años se que allí se aprecia la salsa. Y también recuerdo que me gustó mucho Medellín porque vi una ciudad muy verde y gente muy amable”.

La gente añora la Fania, ¿significa eso que la salsa se estancó o es la vigencia de su música?

“Han salido nuevos talentos, pero siento que la gente nos quiere porque en la Fania y cada uno con su orquesta teníamos una identidad musical. Ahora la música es muy comercial, es decir, homogenizada, siempre igual. Además las orquestas no son constantes, los músicos van y vienen y a pesar de su buena formación, no existe esa familia, ese compromiso y por eso no hay el afinque que logro la Fania. Nuestro público identifica desde la primero hasta el último acorde un sonido original, los músicos y los cantantes creamos un estilo propio”.

Andy Montañez

¿Llega usted como uno de los refuerzos para este espectáculo?

“Llegó como un invitado para este concierto al lado de grandes músicos y cantantes que son viejos amigos. Es un motivo de alegría, pero ahora con la reciente muerte de Ralph Mercado se convierte en una fecha especial, porque fue un hombre que hizo mucho por esta música entonces le dedicaremos el concierto a este amigo que nos dijo adiós esta semana”.

Usted no hizo parte de la Fania, pero grabó un número para esta disquera…

“No pertenecí a la Fania, pero fui invitado muchas veces a sus conciertos, participé cuando se grabó la película Our Latin Thing y grabé la canción Aquí el que Baila Gana, que será uno de los números que voy a interpretar yo. Así que me siento como en familia”.

¿La presencia de músicos más jovenes como Jimmy Bosch muestran que hay relevo en la salsa?

“Tenemos músicos excelente y Jimmy es uno de la nueva generación que asegura la continuidad de la salsa dura. Hay muchos otros que no son tan conocidos, pero si les dan libertad para que trabajen pueden hacer algo importante en este género musical. Pero la huella de Fania u orquestas como el Gran Combo son difíciles de borrar y por eso estamos aquí así seamos ya mayorcitos”.

Nota: Andy Montañez no se presentará en Medellín. Por problemas personales debió regresar este viernes a Puerto Rico.

Agradecimiento a Conga y Bongo
http://coloverio.securesites.net/blogs/congaybongo/

LOS MUÑEQUITOS DE MATANZAS

2009-02-28T11:45:00.000-08:00

Aparecidos en 1952, Los Muñequitos de Matanzas son la más grande formación de rumba de Cuba de todos los tiempos, y desde entonces han seducido con su arte a audiencias de todo el mundo, a lo largo de tres generaciones de músicos empeñados en transmitir y dar a conocer el legado de la música africana en Cuba.

Actualmente Los Muñequitos conservan el estilo impecable de sus maestros, los fundadores. Conservan también su repertorio, con temas actuales con sus propias vivencias y con temas basados en antiguas rumbas y cantos de clave, a los que han incorporado el ritual yoruba, con los tambores sagrados llamados batás y orishas, y el ritual abacuá, con textos expresados en lenguas africanas que mantienen viva su cultura ancestral.
Nacidos originalmente con el nombre de "Guaguancó Matancero" para amenizar las fiestas de los barrios de Matanzas, lanzaron su primer disco en 1953 con los títulos "Los Beodos" y "Los Muñequitos", y tal fue la repercusión popular alcanzada por esta rumba que cambiaron el nombre original por el de Los Muñequitos de Matanzas. Esta popularidad se debió a la calidad interpretativa, así como a las aportaciones que el grupo realizó en su género. En el canto nunca antes se había conocido la interpretación a voces (prima, segunda y falsete); en la percusión el tambor principal, que es el llamado Quinto, improvisa sobre la base rítmica establecida por el Tumbador, tambor que hace de bajo, y por el Seis por Ocho, tambor que hace el relleno intermedio. El modo en que combinaban esta polirritmia les dio un sello característico que los distingue y los hace únicos, y los fundadores Esteban Lantri ‘Saldiguera’, Hortensio Alfonso ‘Virulilla’, Juan Mesa, Florencio Calle o Ángel Pelladito han pasado a la historia musical y popular de Cuba, como uno de los valores más importantes de las tradiciones del país.

Los Muñequitos de Matanzas han demostrado la perdurabilidad de una música que no pasa de moda, que se gana el interés de todo aquel que se deja atraer por el golpe del quinto y del salidor o por el repiquetear de la guagua. Es por esto que este CD retoma la música de Los Muñequitos de Matanzas para transitar por momentos irrepetibles en el desarrollo de la cultura musical cubana. Se trata de una selección de obras grabadas y editadas en las producciones discográficas cubanas de los años setenta y ochenta que implican por tanto estilos diversos en la interpretación vocal, en el manejo de los timbres, en la concepción del evento rítmico acompañante, en los modos de elaboración rítmica y en el tempo que se le imprime a la obra. Óyelo de nuevo, no es más que eso, una invitación para volver a recrear el sabroso quehacer de la rumba matancera.

Su discografía es una lista completa de éxitos que incluye:
"El guaguancó de Matanzas" (Siboney, 1988),
"Los Muñequitos de Matanzas" (Ace, 1990),
"Rumba caliente" (Qbadisc,1992),
"Óyelos de nuevo" (Artex, 1993),
"Real Rumba" (Corasón, 94), "Vacunao" (Qbadisc, 95),
"Po Iban Eshu" (Qbadisc, 96),
o “Live in New York” (Qbadisc, 1998).

PRIMER FESTIVAL CARTAGENA LA HABANA SON

2009-02-19T17:56:00.000-08:00

Entre el 30 de abril y hasta el 2 de Mayo, la Ciudad de Cartagena COLOMBIA, será sede del Primer Festival Cultural Cartagena La Habana Son, bajo el lema: “Cartagena y La Habana: dos ciudades, un solo corazón”

El Festival es Organizado por La Fundación Cultural Cartagena La Habana Son, en colaboración con la Alcaldía Mayor de Cartagena de Indias, el Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena, la Fundación ”Néstor Milí Bustillo”, la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), y el Cabildo de Getsemaní y el Cabildo Quisicuaba del barrio de Los Sitios en La Habana.

“Queremos crear un espacio abierto al encuentro entre estas dos ciudades: Cartagena y La Habana, que siendo hermanas ambas patrimonio de la humanidad no pueden ni deben perder su enlace histórico y natural que desde su fundación ambas mantuvieron” añadió Gabriel Mas.

El Festival contarà con la presencia de Miguel Barnet presidente de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba, José Reyes Fortún, musicólogo e investigador del Museo de la Música de Cuba, , Néstor Milí Olivera, presidente de la Fundación “Néstor Milí Bustillo” y director de la Revista Tropicana Internacional, Elmer González de Latin Beat y sonfonia.com EL PORTAL DE LA SALSA , César Pagano, locutor y escritor; Gary Domínguez musicólogo y coordinador del Festival de Orquestas de Cali, y Radamés Giro Almenares, musicólogo autor de la Enciclopedia de la Música Popular Cubana. El músico Alfredo de La Fè, oficiarà como: Director Musical del Festival.

ESTUDIANTINA LA INVASORA

2009-02-17T18:42:00.000-08:00

La Estudiantina Invasora es el único grupo que sigue dando testimonio de la tradición de aquellas orquestas de estudiantes que, hace un siglo, invadían las calles de Santiago de Cuba por el placer de tocar o por ganar algunos pesos. En Cuba la tradición de las estudiantinas nació a finales del siglo XIX en la región oriental de la isla (provincias de Santiago de Cuba y de Guantánamo), cuna del son.

Grupo legendario de la música cubana, la Estudiantina Invasora interpreta el repertorio tradicional del son, de la guaracha, del danzón, y de la contradanza. Considerado como un tesoro del patrimonio cultural del país, la Estudiantina Invasora es dirigida actualmente por Inaudi Paysán, el trompetista del grupo.

Naturalmente desde su fundación el grupo ha visto desfilar numerosos músicos; sin embargo uno de los miembros fundadores sigue presente: se trata de Roberto Nápoles de 86 años, contrabajo. Los instrumentos que utiliza la Estudiantina Invasora: guitarras, tres, contrabajo, trompeta, maracas, claves, güiro y pailas
http://www.youtube.com/watch?v=_jTR6K68Nfo

MUERE EL PERCUSIONISTA JOE CUBA

2009-02-16T15:11:00.000-08:00

El afamado percusionista puertorriqueño Joe Cuba murió hoy, domingo, en Nueva York por complicaciones relacionadas a una bacteria que se le había alojado en el cuerpo. Tenía 78 años.

El cantante Cheo Feliciano confirmó que el músico murió a eso de las 5:00 de la tarde, hora de Puerto Rico, en el hospital Monte Sinaí de Nueva York, un día después de que los médicos desconectaran las máquinas que lo mantenían con vida luego que la mayoría de sus órganos vitales fallaran.

Cuba llevaba varios años luchando contra la bacteria que, en un principio no se sabía dónde estaba alojada, pero que luego los médicos confirmaron que se encontraba en una prótesis de cadera que fue implantada al salsero tras una caída.

Feliciano narró que, poco antes de que el corazón de Cuba dejara de palpitar, él solicitó a la familia que le permitiera despedirse a través del teléfono, ya que se encuentra en Puerto Rico preparando un próximo viaje de trabajo a Suiza.

"Le dije que Dios tiene una misión con todos nosotros y que, cuando está llegando el final de esa misión, tenemos que irnos al sitio de donde venimos", relató Feliciano en entrevista telefónica con Prensa Asociada.

Feliciano, quien debutó como vocalista en 1957 con el Sexteto de Joe Cuba, aprovechó la oportunidad para agradecer al músico, cuyo nombre de pila era Gilberto Calderón, por darle la oportunidad que marcó su carrera musical para siempre.

"Le dije que estamos agradecidos de todas las oportunidades que dios nos dio, y que debe sentirse tranquilo y prepararse para la transición", sostuvo.

Recordó cómo el Sexteto de Joe Cuba marcó la diferencia en la forma en que se interpretaba la salsa allá para la década de 1960.

Entonces, la mayoría de los conjuntos de éxito eran orquestas, mientras que Cuba trajo a un sexteto que incorporaba a tres cantantes, que al mismo tiempo tocaban instrumentos de percusión y bailaban siguiendo una rutina "como eso que hace ahora El Gran Combo".

"Fue el grupo más dinámico que hubo. Todos los grupos latinoamericanos que sonaban eran orquestas. Surgió un sexteto con el sonido de frente de un vibráfono, y eso causó una euforia porque era diferente", relató Feliciano, quien junto al Sexteto popularizó temas como "El ratón", "El pito" y "A las seis".

Socorro "Cocó" Prieto, esposa de Feliciano, indicó a la AP que el féretro de Cuba será velado por dos días en Nueva York y luego llevado por las calles en las que se crió y vivió el músico, nacido en la Gran Manzana en 1931.

Se espera que sus restos sean cremados en esa ciudad, donde reside toda su familia que es oriunda de Naguabo, indió Prieto.

CONMOCIÓN ORQUESTA

2009-02-06T15:01:00.000-08:00

Empezó a gestarse a mediados del año 2002 en la universidad Javeriana de Bogotá, por iniciativa del trombonista Jaime Rodriguez y el percusionista Simón Martínez. Oficialmente se presenta en mayo del 2003 en el bar Sandunguera, donde la confrontación con el público le dejó varias enseñanzas. En el mes de septiembre del mismo año, para presentarse en el Festival Casabierta, integra a los trombinistas Fabio García y Gonzalo Ardila, quienes desde entonces con Jaime Rodriguez, conforman la sección fundamental de la orquesta. El en 2004, la conmoción se estrena en Casa Buenavista, lugar en el cual realizan varias temporadas y de allí sale su primara grabación y video. Posteriormente se integran más músicos y nombran como director musical a Fabio García, quien aporta su repertorio original, entre el que se destaca el tema “Conmoción”, estrenado en septiembre y que identifica a la orquesta.

Sorteando dificultades en el 2006, publican su disco “La Cara del Gato”, editado por Casa Buenavista Recodrs. En octubre del 2007, es escogida para participar en el Festival Internacional de Salsa de Venezuela, actuando en Caracas y en el estado de Vargas, al lado de agrupaciones de prestigio internacional. Importante destacar su voluntad de renovar la música, su disciplina y su ambición legitima de proyectar un futuro mejor.

Esta reseña fue escrita por Cesar Pagano.

2009-02-01T21:53:00.000-08:00

¡¡¡¡NO A LA GUERRA!!!

NO HAY QUE VIAJAR NI CONECTARSE POR INTERNET. EN CUALQUIER PUNTO DEL PLANETA QUE TE ENCUENTRES, EL 27 DE FEBRERO A LAS 12 DEL MEDIO DIA ENCIENDES UNA VELA Y ELEVAS UNA ORACION POR LA PAZ. INVITA A TUS AMIGOS, FAMILIARES, VECINOS, COMPAÑEROS DE TRABAJO... TENEMOS QUE SER MULTITUD ORANDO POR LA PAZ. GRACIAS. PAZ Y BIEN

PERRO SALSERO

2009-01-30T11:51:00.001-08:00

Manny Oquendo

2009-01-28T15:32:00.000-08:00

Manny Oquendo nació en la ciudad de New York en 1931, y comenzó sus estudios de percusión a los 14 años. Trabajó con las bandas de Luis del Campo, Jose Budet, Juanito Sanabria, Marcelino Guerra, y Pupi Campo antes de unirse en 1950 a la banda de Tito Puente como bongosero. Estuvo cuatro años con éste, y luego de tocar con Tito Rodríguez y Vicentico Valdés, trabajó seis años como musico de sesión, grabando para las mejores bandas de New York.

En 1962 se une a la banda de Eddie Palmieri, y en 1974 inicia su carrera solista al frente de su Conjunto Libre, con el que logra un hit en 1983, "Little Sunflower", considerado como unos de los mejores discos de ese año.

maestro MANY OQUENDO Y CONJUNTO LIBRE

01. goza la vida
02. baila pronto
03. que humanidad
04. no me hechen la culpa
05. lo que se da no se quita
06. por que tu sufres
07. suavecito
08. yo no vuelvo contigo
09. bamboleate
10. libre y su son
11. vengo sabrosa

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FANIA ALL STARS

2009-01-21T11:40:00.000-08:00

Se que para muchos de los que visitan mi blog, la fania all stars ya esta muy quemada, pero quise rendir un homenaje a este colectivo de musicos que se unieron un dia para dar a conocer la salsa y con la cual muchos de nosotros crecimos, gozando en el colegio, la esquina del barrio y las fiestecitas a las que nos escapabamos despues de clases.
Muchos de estos musicos ya se han marchado, para conformar la orquesta celestial.

A mediados de 1964 un flautista dominicano llamado Johnny Pacheco lanzó un disco titulado "Cañonazo". Su idea inicial era pasar de su tradicional estilo de charanga, consistente en flautas y violines, a un conjunto de trompetas que respondiera más a las exigencias del barrio latino de Nueva York. Paralelo a ello consideraba la posibilidad de fundar una compañía de discos y este trabajo era su primera experiencia al respecto.

"Cañonazo" se lanzó entonces, bajo el sello Fania Records, cuyo nombre provenía de un son montuno compuesto por Reinaldo Bolaños, grabado en ese mismo disco. La compañía que Pacheco había fundado en asocio con el abogado Jerry Masucci.

Pacheco, quien ofició como productor artístico, recorrió todos los almacenes de discos del lado este de Nueva York para poder promocionar el producto, mientras Masucci, el socio capitalista, negociaba con agrupaciones y músicos nuevos la inclusión éstos en un catálogo firme. Como las limitaciones económicas estaban a flor de piel, los nuevos artistas tendrían que ser jóvenes provenientes del Bronx y de Puerto Rico, pero allí radicó justamente, el éxito de Fania.

Massucci contrató a tres orquestas: la ya veterana de Ray Barretto y las de los jóvenes Larry Harlow y Bobby Valentín. A ellas se sumaría más tarde una lista de muchachos con iniciativas y sobre todo, con arraigo entre la comunidad latina, encabezadas por Willie Colón. Al cabo de cuatro años Fania Records tenía en su haber lo más "duro" del barrio y con ello se había ganado el cariño de toda su comunidad.

En 1962 las tres compañías habían grabado varios discos de sus estrellas reunidas con buena aceptación y Massucci decidió en 1968 hacer su propia banda, la que llamó, naturalmente, Fania All Stars.

La Fania se reunió por primera vez en el Red Garter, pero el asunto no tuvo mayor eco, por eso se asociaron con el administrador de establecimientos públicos, Ralph Mercado, para hacer un concierto más popular en el salón de baile Cheetah. El 26 de agosto de 1971 la Fania All Stars se presento allí y como resultado de ello se grabó una película, lo que daría pie a un nuevo concierto y una nueva cinta. Esta vez el nombre provocó un revuelo que hasta hoy no ha dejado de resonar en el Caribe: la cinta se llamó Salsa.

Resultó evidente que la película no pasó a la historia, pero su nombre si y con él la aceptación definitiva del sello Fania como amo absoluto de la música que se conoció a partir de allí como Salsa. Todos los músicos latinos pasaron, entonces, a ser miembros de Fania. Era una especie de status el pertenecer al sello y tanto la altísima producción como los índices de ventas, demostraron hasta que punto grabar con Fania era un buen negocio para todos.

Durante los años setenta la Fania se convirtió en el centro de un engranaje que funcionó a la perfección.Pero a comienzos de los ochentas los socios del sello sufrieron un traspié. Una huelga encabezada por Rubén Blades y la búsqueda nunca alcanzada de otras alternativas musicales terminaron con el monopolio que habían ejercido. Allí comenzó una nueva historia..

La Salsa había pasado de ser una música callejera a convertirse en un sonido de discoteca. Sólo en determinados países como Colombia se mantenía vivo el viejo espíritu.

Fania All Stars - Live in Africa

01. Trad Congo Tribal Song.mp3
02. Descarga Fania All Stars In Africa.mp3
03. Kinshsa Airport Arrival Jam.mp3
04. Rehearsal Of New Material.mp3
05. Guatanamera.mp3
06. Africa Drum.mp3
07. Ivory Market Jam.mp3
08. Pacheco Signs Autographs.mp3
09. Hector Lavoe & Ismael Quintana.mp3
10. Pupi Warms Up.mp3
11. Ponte Duro.mp3

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WILLIE ROSARIO

2009-01-16T23:20:00.000-08:00

Natural del pueblo de Coamo, nació el 6 de mayo de 1930,su nombre Fernando Luis Rosario Marín, comenzó sus pasos en la música atraído por el sonido de la percusión. Recuerda que al salir de la escuela, con siete anos de edad, solía entretenerse tocando sobre unas latas de galleta en el balcón de su casa, imitando el sonido de las orquestas de Rafael Munoz y el Sexteto Puerto Rico.

Recién cumplidos sus 15 anos de edad, logró su primera experiencia musical junto a un grupo de amigos de su pueblo que habían formado el Conjunto Coamex y en el que necesitaban un bajista.

Siendo militar, Willie Rosario fue de visita en una ocasión al salón de baile El Palledium y quedó deslumbrado al ver a Tito Puente tocando los timbales de pie. Nunca había visto a Tito Puente y lo entusiasmó su estilo, por lo que decidio que quería aprender a tocar percusión
Tras concluir sus anos de soldado, en 1952, regresó a Puerto Rico a visitar a su familia, estadía que se prolongó por un ano al ser convidado a formar parte de la orquesta Fiesta, en calidad de baterista.
Ese mismo año conoció a Johnnie Seguí, quien le ofreció trabajo en su orquesta, que para entonces había establecido una pauta en la sonoridad latina, al armonizar su grupo con el sonido de cuatro trompetas antes de que esa fórmula fuera utilizada por Tito Puente y Tito Rodríguez. Ahí aprendio de la disciplina de una orquesta, a ser responsable, honesto, a manejar un grupo y a vestirse bien. Ésa fue la base para formar su agrupación".
Junto a Johnnie Seguí grabó el álbum "Cha cha chá", recordado por los éxitos "El bodeguero", "Duerme" y "Tati", un tema de Rafael Hernández. También hizo varios discos de 78 y 45 rpm, en los que se destacaron las melodías "Malcriada" y "Nicolasa". En esos anos también colaboró con el conjunto de Joe Quijano y el grupo del pianista venezolano Aldemaro Romero.
En el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo. Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeno, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro anos.

De esa manera, Willie Rosario inició una nueva etapa en su carrera armándose de una batería de músicos encabezada por Rudi Martin (piano), Izzy Feliú (bajo), Luis Rodríguez (conga), Bobby Valentín (trompeta), Eddy Snell (trompeta), Tony Cofresí (trompeta) y Frankie Figueroa (voz), y con quienes produce, en 1962, su primer disco, "El bravo soy yo". Para entonces, el nombre del timbalero era reconocido en las lides musicales, no tan sólo por su rol de líder de orquesta, sino por su participación con el músico Herbie Mann y como miembro de la familia Alegre All Star, con quien participó en los discos "Way Out", "El Manicero" y "Perdido". También figuró en el disco "Salsa máxima", junto a Cesta All Star.
En 1964, produjo el disco "Fabulous and Fantastic", que incluyó, entre otros, los temas "Los generales de la capital", "A Villa Palmeras" y "Nos enganó la vida", interpretados por Frankie Rodrí-guez, seguido por "Latin Jazz Go-Go-Go" (1965), "Haida Huo" (1966) y "Boogaloo and Guaguancó" (1966), en los que se destacó como vocalista Paquito De Jesús.
Una de las grandes aportaciones de Willie Rosario a la salsa fue la elaboración de una propuesta armónica novel, que a poco fue sellando su identidad sonora matizada por la combinación de cuatro trompetas y saxofón barítono, un experimento hasta entonces no explorado.

Desde entonces, la orquesta se distinguió por el uso del saxofón barítono en combinación con la armonía de cuatro trompetas provocando un sonido diferente y profundizando la esencia rítmica del grupo, concepto que se consignó en la producción del álbum "Too Too Much" (1967), en el que, además, reaparece la participación de Frankie Figueroa en la parte vocal, junto a Pete Bonet y Willie Torres. El trabajo artístico de Willie Rosario prosiguió con la producción "El bravo de siempre" (1968), un trabajo que marcó una huella en la salsa con el éxito "La cuesta de la fama", en voz de Menique Baltasnegras. Este álbum también incluyó "La esencia del guaguancó",

El músico Willie Rosario es una de esas figuras del pentagrama de la salsa que han cargado sobre sus hombros la lucha por la permanencia del género, lidiando contra las adversidades que, en muchas ocasiones, impone el mercado artístico. El veterano percusionista aún mantiene viva la más arraigada tradición del quehacer salsero, ostentando una agrupación que por más de cuatro décadas ha cultivado un historial musical colmado de éxitos.

MARIO KAONA Y SU LATINJAZZ EMSAMBLE

2009-01-15T10:08:00.000-08:00

SABOR Y CONTROL

2009-01-15T07:22:00.001-08:00

5º ENCUENTRO DE COLECCIONISTAS Y MELOMANOS

2009-01-12T15:09:00.000-08:00

HUMBERTO RAMIREZ

2009-01-04T05:38:00.000-08:00

creció en un hogar donde se escuchaba la música de Miles Davis, Thelonious Monk, John Coltrane, Lee Morgan, Tito Puente, Tito Rodríguez y Machito. Su padre, quien es saxofonista y director de orquesta, fue quien lo inspiró a tocar el "flugelhorn" a los 11 años de edad. Ya a los 14 años, Humberto se presentaba profesionalmente con el grupo de su padre. En 1985, y por un período de 4 años, Humberto trabajó con la orquesta de Willie Rosario, una de las bandas más populares de Puerto Rico. En 1989 se convirtió en el director musical de Tony Vega. Su trabajo como productor, arreglista y compositor para artistas de la música tropical como Willie Colón, Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony, India, Olga Tañón, Domingo Quiñónes, Rubén Blades, Brenda K. Starr, Tito Nieves, Victor Manuelle y otros, lo ha establecido como uno de los arreglistas y productores más activos de la industria. En 1992, Humberto Ramírez debutó como líder de grupo en su primera producción para el sello Tropijazz titulada Jazz Project. Desde entonces ha compartido el escenario con importantes músicos de jazz como Freddie Hubbard, Justo Almario, Alex Acuña, Chick Corea, McCoy Tyner, Gonzalo Rubalcaba, Tito Puente, Michel Camilo, Herbie Hancock,Eddie Gómez y Herb Alpert, con quien grabó el disco "Passion Dance"..Humberto Ramírez ha recibido 4 nominaciones al premio Grammy como productor.

Humberto Ramírez - Jazz Project

Temas:
1-Open Night
2-Calle Sol
3-Esperandote
4-Natural Terms
5-Pacifico
6-Amazing Dreams
7-Best Of You
8-Cohesion
9-Recuerdos

Musicos:
Humberto Ramirez (flugelhorn, trompeta, teclados)
Jose Luis Encarnacion (saxo )
Justo Almario, David Sanchez (saxo tenor)
Javier Gandara (Trompa)
Dave Valentin (flauta)
Papo Lucca, Edsel Gomez (piano)
Luis Marin ( piano, teclados)
Osvaldo Lopez (guitarra)
Martin Santiago, Oscar Cartaya (bajo)
Albert Julian, Alex Acuna, Tony Cintron (bateria)
Giovanni Hidalgo (congas, bongos, percussion)
David Rosado (timbales)
Freddie Camacho, Eguie Castrillo (percussion).

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REVISTA EL SONERO DEL BARRIO

2009-01-01T17:20:00.000-08:00

( DECIMA EDICION)

El Sonero de Barrio es un medio de comunicación independiente, vehículo de información especializada para el público melómano salsero, que nació en Medellín (Colombia) en el año 2004, y que tiene como propósito ofrecer información de interés a los amantes de la buena salsa.

Por su carácter especializado, y en el que no caben las sonoridades débiles y melosas de la “pornosalsa” o “salsa rosa”, El Sonero de Barrio se distingue como una revista que busca formar criterios y conceptos sólidos en el conocimiento de los grandes músicos, muchos de ellos desconocidos u olvidados, que han jugado un papel fundamental en la historia y construcción de este mundo maravilloso llamado Salsa.

http://www.elsonerodebarrio.com/index.php?option=com_content&view=frontpage&Itemid=1

ASI SOY YO...

2008-12-29T23:37:00.000-08:00

OCHO Y MEDIA

2008-12-27T09:05:00.000-08:00

Nació en el año 2.000 por cosas del destino. “La Ocho y Media no es una orquesta cubana radicada en Francia es una orquesta 100% francesa”.
Se conocieron en la escuela de Jazz ARJEP de Paris. En esa institución “un apasionado de la Salsa y el Mambo, Laurent Erdös, había creado un taller de salsa. Allí nos conocimos”, cuenta Fréd conguero de la agrupación. A partir de ese momento empezaron a compartir juntos su pasión por la salsa hasta llegar a convertirse en “una banda de músicos, amigos y unos locos por la salsa”. Poco a poco La Ocho y Media estaba siendo reconocida como una agrupación fuerte e innovadora hasta que salió de la capital francesa para recorrer el país, el continente y más tarde el mundo entero. Para muchos puede sonar extraño que una agrupación salsera sea de un país donde no se hable español y tenga otras costumbres musicales y culturales. Sin embargo, para la Orquesta Ocho y Media lo que ellos tocan es salsa con unas cositas más. “Lo que hacemos es salsa. La salsa ya es una mezcla de especies y sabores musicales, agregamos una nota de ska por allí, una cucharadita de reggae por allá, pero sigue siendo salsa”, comenta la Ocho y Media.
Cuando empezaron a tocar salsa no sabían qué tan populares serían. Pero después de unos años de su nacimiento y de estar haciendo su música, la cual integra salsa con reggae, ragga y ska, el público ha respondido entusiasta, ganando seguidores por todo el mundo.
FOTOS :SONERO DEL BARRIO
http://www.facebook.com/album.php?aid=28437&id=518789625#/photo.php?pid=666402&id=518789625

CHICO O´FARRIL

2008-12-24T08:37:00.000-08:00

Con una carrera que se expande cerca de 60 años, este músico, arreglista y compositor estuvo en el ojo del huracán durante la explosión del jazz afro-cubano y latino, a mediados del siglo pasado.

Sus sofisticadas composiciones para grandes bandas latinas de principios de los 50 fueron a menudo atrevidas, con muchos metales y tensas, pero aún así, podía alcanzar un ambiente delicado, casi clásico, en piezas como "Angel's flight" y trabajar capazmente en piezas más largas y elaboradas como las innovadoras Afro-Cuban Jazz Suites.

A lo largo de su carrera musical, Chico compuso y realizó arreglos para músicos tan variados como Stan Kenton, Dizzy Gillespie, Benny Moré, La Lupe, Cal Tjader, Clark Terry, Gato Barbieri, Ringo Starr y David Bowie. A la vez que compuso sinfonías para diversas orquestas filarmónicas en Europa y Estados Unidos.

Por ser tan diversa, la obra de O'Farrill podría confundir a algunos. Sin embargo, su Suite de jazz afrocubana y su Suite azteca --lo de "azteca'' queda entre broma y obsequio a su Lupe-- bastarían para elevarle al panteón de los grandes de la música cubana. Fina es la ironía del desarraigo: Chico O'Farrill vivió fuera de Cuba casi toda su vida y aun así deja una innovadora página a la música cubana. Al final, habría que dar gracias al río Hudson. Y a los orishas, por supuesto.

TAKE FIVE, POR DAVE BRUBECK

2008-12-19T14:54:00.000-08:00

The Dave Brubeck Quartet - Take Five (1961)

TITO PUENTE

2008-12-19T00:27:00.000-08:00

Tito Puente, nombre de pila fue Ernest Anthon Puente, Jr, se le reconoce internacionalmente por sus grandes y significativas contribuciones a la música latina como director, compositor, arreglista, percusionista y mentor de muchos.

Conocido popularmente como “El Rey del Timbal” y el “Rey del Mambo” grabó mas de 100 albumes, publicó más de 400 composiciones y ganó cinco premios Grammy. Aunque tocó y grabó jazz y salsa, Puento es uno de un puñado de músicos que merecen el título “legendario” principalmente for su maestría del mambo.

A Puente se le ha acreditado el haber introducido el timbal y el vibráfono a la música Afro-cubana, Puente también tocó el conjunto de tambores e instrumentos de percusión, las congas, la clave, el piano y ocasionalmente el saxofón y el clarinete.

Puente comenzó a trabajar con el pianista y director cubano José Curbelo en diciembre del 1939. Curbelo fue su primer mentor y quizás más importante le enseñó a Puente los fundamentos de la música como negocio. Luego tocó con Johnny Rodríguez, Anselmo Sacassas, el músico que había inspirado en él el estudio del piano, y con el gran Noro Morales.

En junio del 1942, comenzó a tocar con la orquesta de Machito.

En la década del 50, durante la era del Palladium, la banda de Tito Puente fue una de las tres orquestas principales en Nueva York, junto con las orquestas de Machito y la de Tito Rodríguez. El mambo y el cha-cha-cha eran la furia del momento.

Puente tuvo mucha inclinación hacia el jazz, el cual “latinizó”. Más tarde dirigió dos grupos; una orquesta y un grupo de jazz. Continuó grabando Jazz latino y pura música latina con diferentes artistas y con sus propias bandas.

Durante su vida, Puente grabó más de 120 álbumes, compusó más de 450 canciones y tiene más de 2,000 arreglos musicales a su haber. Se presentó en vivo en más de 10,000 escenarios a través del mundo. Poco antes de su muerte, completó un álbum con Eddie Palmieri que se publicó el 18 de julio del 2000. La leyenda murió a la edad de 77 años un 30 de mayo del 2000 en la ciudad de Nueva York.

Discografía

Fiesta (2003)

Coleccion Diamante (2003)

Tito Puente y Celia Cruz (2002)

Live at the Playboy Jazz Festival (2002)

King of Kings: The Very Best of Tito Puente (2002)

Hot Timbales! (2002)

Dr. Feelgood (2002)

Carnaval de Exitos (2002)

Caravan Mambo (2002)

The Legends Collection: Tito Puente & Celia.. (2001)

The Complete RCA Recordings, Vol. 2 (2001)

Puente Caliente (2001)

The Best of.. [Import] (2001)

King of Mambo (2001)

El Rey; Pa'Lante! Straight! (2001)

Cocktail Hour (2001)

Selection, King of Mambo [Import] (2001)

Herman Meets Puente (2000)

Undisputed (2000)

Tito Puente Y Su Orquesta Mambo (2000)

The Complete RCA Recordings, Vol. 1 (2000)

The Best of the Concord Years (2000)

Party with Puente! (2000)

Obra Maestra (2000)

Mambo Mambo (2000)

Mambo King Meets the Queen of Salsa (2000)

Latin Abstract (2000)

Kings of Mambo [Import] (2000)

Dos Idolos Su Musica (2000)

Mambo Birdland (1999)

Lo Mejor de Lo Mejor (1999)

Latin Kings (1999)

Latin Flight (1999)

Golden Latin Jazz All Stars: In Session (1999)

Coleccion Original (1999)

Carnival [Import] (1999)

Absolute Best (1999)

Yambeque (1998)

Timbalero Tropical (1998)

The Very Best of Tito Puente (1998)

Dance Mania '98: Live at Birdland (1998)

Cha Cha Cha Rumba Beguine (1998)

50 Years of Swing (1997)

Selection of Mambo & Cha Cha Cha (1997)

Percussion's King (1997)

Jazz Latino, Vol. 4 (1997)

Greatest Hits (1997)

The Very Best of Tito Puente & Vincentico.. (1996)

Special Delivery (1996)

El Rey del Timbal (1996)

El Rey de la Salsa (1996)

Cha Cha Chá: Live at Grossinger's (1996)

Yambeque: The Progressive Side of Tito Puente (1995)

Tito's Idea (1995)

Jazzin (1995)

Fiesta Con Puente (1995)

Top Percussion/Dance Mania (1994)

Tito Puente's Golden Latin Jazz All Stars (1994)

Barbarabatiri (1994)

The Best of Dance Mania (1994)

Mambo Y Cha Cha Cha (1994)

Mambo Beat: The Progressive Side of Tito... (1994)

Cubarama (1994)

3 Grandes Orquestas E Interpretes de La... (1994)

Royal 'T' (1993)

Nuevo Mambo (1993)

Night Beat/Mucho Puente Plus (1993)

Master Timbalero (1993)

Mambo Gozon (1993)

Blue Gardenia (1993)

The Best of Tito Puente, Vol. 1 (1992)

Cuando Suenan Los Tambores (1992)

The Mambo King: His 100th Album (1991)

Mambo of the Times (1991)

Out of This World (1990)

Goza Me Timbal (1989)

Salsa Meets Jazz (1988)

Un Poco Loco (1987)

Sensacion (1987)

Mambo Diablo (1985)

Puente Now! The Exciting Tito Puente Band (1984)

El Rey (1984)

The Concord Jazz Heritage Series (1982)

Oye Como Va: The Dance Collection (1982)

On Broadway (1982)

Ce' Magnifique (1981)

Homenaje a Beny, Vol. 2 {Import] (1979)

La Pareja (1978)

Dave Brubeck

2008-12-18T23:51:00.000-08:00

Dave Brubeck , pianista y compositor estadounidense de jazz. Se trata de uno de los principales representantes del cool y uno de los músicos de jazz más populares entre los no aficionados. Lideró en los cincuenta el Dave Brubeck Quartet, que alcanzó un gran éxito.

Ha escrito numerosos estándares del jazz, entre los que se incluyen "In Your Own Sweet Way" y "The Duke". El estilo de Brubeck oscila entre lo refinado y lo exuberante, reflejando influencias de la música clásica y atreviéndose con la improvisación.

Su habitual compañero musical, el saxo alto Paul Desmond, escribió el tema más famoso del Dave Brubeck Quartet, "Take Five", un clásico del jazz

Es el autor de la música de la miniserie de dibujos animados "This Is America, Charlie Brown".

Primeros años

La madre de Brubeck estudió piano en Inglaterra y llegó a ser concertista de piano; en casa, impartía lecciones para obtener un dinero extra. Brubeck no estaba especialmente interesado en principio en aprender un método determinado, y así prefirió crear sus propias melodías y luego aprendió a leer partituras.

Selección discográfica

1949: Brubeck Trio with Cal Tjader (Fantasy)

1952: Jazz at the Blackhawk [live] (Fantasy)

1952: Jazz at Storyville [live] (Fantasy)

1953: Jazz at the College of the Pacific [live] (Fantasy/OJC)

1954: Jazz Goes to College [live] (Columbia)

1957: Jazz Goes to Junior College [live] (Columbia)

1959: Time Out (Columbia/Legacy)

1961: Time Further Out (Columbia/Legacy)

1962: West Side Story (Columbia/Legacy)

1963: N.Y.C., Carnegie Hall, February 22, 1963 [live] (Columbia)

1963: The Dave Brubeck Quartet at Carnegie Hall [live] (Sony)

1967: Compadres (Columbia)

1967: The Last Time We Saw Paris [live] (Columbia)

1969: The Gates of Justice (Decca)

1970: Live at the Berlin Philharmonie (Columbia/Legacy)

1975: Brubeck & Desmond: Duets (1975) (A&M)

1975: 1975: The Duets (Horizon)

1981: Paper Moon (Concord Jazz)

1996: A Dave Brubeck Christmas (Telarc Jazz)

2003: Park Avenue South [live] (Telarc)

2003: Brubeck in Chattanooga (Choral Arts Society of Chattanooga)

2004: Private Brubeck Remembers (Telarc)

2005: London Flat, London Sharp (Telarc)

SIGUARAJAZZ

2008-11-02T19:26:00.000-08:00

Con un estilo musical que se nutre de expresiones de la música colombiana de las zonas Atlántica, Pacífica y Andina,
combinados con el jazz y la música de Brasil y Cuba, Siguarajazz nos muestra un proyecto que busca unir las
diferentes músicas del mundo, sin alejarse de las vivencias del barrio.

Siguarajazz está conformado por músicos de Medellín y se originó en el año 2000. Se caracteriza por composiciones
llenas de sentimiento que invitan al oyente a danzar y a manifestar su alegría.

En su corta trayectoria, ha realizado presentaciones en diferentes festivales y escenarios de Medellín y Bogotá.
También, dentro de sus propuestas figuran realizaciones musicales para teatro callejero, comparsa y carnaval. Su
primer trabajo 063 contiene temas que combinan elementos del jazz con ritmos colombianos como porro, cumbia, puya,
chalupa, entre otros. Para agosto de este año el grupo tiene proyectado lanzar el segundo trabajo denominado
Manrique Mambo, esta vez explorando en la salsa y el jazz latino.

SIGUARAJAZZ

Juan Fernando García – Contrabajo

Diego Lopera – Piano

José Tobón – Saxofones

Bayron López – Trombón

Juan Pablo Castaño – Trompeta

Sebastián García – Batería

Guido Sánchez – Percusión

Nicolás García – Percusión

MICHEL CAMILO

2008-10-18T10:00:00.000-07:00

Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana. Fascinado por la música desde su infancia, compuso su primera canción a los 5 años. Después estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional, donde obtuvo el título de Licenciado en Música y a los dieciséis años se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de su país. Para ampliar sus horizontes musicales decidió trasladarse a Nueva York en 1979, allí continuó sus estudios en las Escuelas de Música Mannes y Julliard.

Hizo su debut en el Carnegie Hall en 1985 con su trío, y en 1986 en los festivales europeos. Desde entonces se ha convertido en una figura prominente actuando regularmente en USA, el Caribe, Japón y la escena jazz europea.

El lenguaje musical de Michel Camilo es una novedosa y expresiva forma de interpretar el jazz, combinando su herencia caribeña con la riqueza, el uso inteligente de la textura armónica y las raíces del jazz, con una soberbia técnica al piano. Su música es primero y principalmente jazz clásico, propulsado por una infecciosa sensación del "swing" contemporáneo que refleja su personalidad alegre y efervescente. la cual perfeccionó durante su juventud y a la cuál él hace responsable de su increíble técnica en el teclado y de su dinámica en la estructura de composiciones.

la calidad y pureza de sonido en Michel Camilo van unidas a un virtuosismo rítmico que impregna la audiencia de una energía y vitalidad inusitadas. Además el asombro. Porque durante el instante de sus formidables ejecuciones. Más que versatilidad, riqueza, duende, ese algo intangible que no está escrito en la partitura, ese espíritu genial, único, osado que aflora y traspasa las fronteras de lo posible y se adentra en el reino de lo maravilloso o sorprendente.

En las composiciones musicales de Michel Camilo se manifiestan antiguas tradiciones rítmicas caribeñas, nostálgicas tonadas flamencas y latinas; y toda una gama de innovaciones técnicas y musicales que provienen de una formación clásica, rigurosa, actualizada, muy bien informada.

Michael Camilo y el jazz están abrazados y aún logrando éxitos en la línea clásica. Su capacidad le permite incursionar en diferentes expresiones y un ejemplo lo reafirma lo que ha conquistado en el jazz.

sus pistas son:

1. Suite Sandrine, Pt. 1
2. Nostalgia
3. Dreamlight
4. Crossroads
5. Sunset (Interlude I/Suite Sandrine)
6. Yarey
7. Pra Voce (For Tania Maria)
8. Blue Bossa
9. Caribe

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HISTORIA DEL LATIN JAZZ

2008-10-17T09:35:00.000-07:00

El Jazz es la manifestación afroamericana por excelencia, de igual manera se nombra a la Salsa – derivación directa del Son, del Montuno y de los diferentes tipos de Rumba cubana – como el fruto musical de mayor importancia del Caribe hispano parlante; asimismo se expresa entonces en ocasiones que el Latinjazz es una conjugación de ambos elementos debido a que poseen la misma raíz: el continente africano y los esclavos que trajeron al Nuevo Mundo.

La primera vez que los africanos llegaron a América fue en 1.518. debido a las peticiones reiteradas del famoso Fray Bartolomé de las Casas (el llamado apóstol de los indios). El Rey de España escuchó sus rogativas a favor de los pobladores autóctonos de América y aprobó entonces la comercialización de los negros africanos. Este desgraciado comercio fue realizado por mercaderes genoveses, quienes los compraban en Lisboa, a razón de una tasa de 4.000 esclavos anuales. Fue entonces cuando el primer cargamento humano llegó a Cuba, siendo desembarcados en condiciones infrahumanas unos cientos de hombres y mujeres procedentes de Guinea y Costa de Oro, actual República de Ghana.

Cien años después, en 1.619 llegó a al Puerto de Jamestown, una nave de procedencia holandesa – hoy Estado de Virginia – con el primer contingente humano a Norteamérica. La población africana fue divida en tres bloques, una trasladada a lo que es hoy Estados Unidos; la segunda a Centro América y el Caribe; y la tercera en su gran mayoría a lo que hoy es el Brasil.

Estas personas pertenecían a diferentes tribus – principalmente yorubas, mandingas, dingas, wambesis - hablaban distintos idiomas, y poseían diversas culturas musicales, las cuales se entremezclaron entre sí, con las autóctonas, y también con la nueva de sus "amos"; dando origen a una vertiente musical espectacular que hoy se disfruta en el mundo entero.

El sincretismo musical que originó al Latinjazz sucedió en New York. Esta cosmopolita ciudad es el centro mundial cultural más vasto del mundo, allí se originó el Jazz moderno – aunque su nacimiento fue indiscutiblemente en la ciudad de New Orleans, Estado de Louisana – y la Salsa actual; las cuales se "casaron" gracias al gran músico cubano Mario Bauzá, quien había emigrado a Estados Unidos hacia 1.920.

El nacimiento del Latinjazz fue casi un accidente. En el año 1.943, estando Mario Bauzá en una presentación con la Orquesta de Frank Grillo "Machito", terminaron de tocar un tema, y mientras los músicos de la banda buscaban la partitura de la próxima pieza, el pianista Luis Orestes Varona y el bajista Julio Andino comenzaron a tocar unas notas musicales improvisadas, con la finalidad de que el público continuara bailando en la pista. El resto de la base percusiva, entre ellos los míticos Ubaldo Nieto y Francisco Aguabella, les siguieron el compás. Posteriormente los metales hicieron lo suyo.

Al día siguiente, durante el ensayo, Bauzá solicitó a Orestes y a Julio que repitieran las notas que habían interpretado el día anterior, y a medida que la percusión se integraba, el resto de los músicos recibía instrucciones verbales sobre lo que debían interpretar. Al culminar con la pieza, la orquesta había desarrollado un arreglo con ingredientes latinos y jazzísticos. Esta pieza es considerada uno de los dos himnos del Latinjazz, la cual lleva por nombre Tanga, cuya traducción del lenguaje Yoruba significa marihuana.

Bauzá sugiere entonces la incorporación de músicos norteamericanos, entre ellos Eddie Bert, trombonista; Doc Cheatham, trompetista; e inclusive uno de los más grandes genios del Jazz, Charlie Parker en el Alto sax. Igualmente se incluyeron arreglistas asociados al género y dispuestos a participar en el matrimonio musical del Jazz y lo Latino. Posteriormente se asumió el formato clásico del Big Band a lo Glenn Miller, Duke Ellington, Count Basie, Jimmy Lunceford, excepto por dos cosas:

La exclusión de la batería, incluyendo en su reemplazo los timbales, las congas, el bongó, la campana y las maracas; brindando todo su sabor caribeño

El "Shufle" es sustituido por la síncopa latina, la cual se rige por la clave. El "Shufle" es ritmo básico del Swing.

Otro hecho significativo dentro de la historia del Latinjazz fue la aparición en el ambiente musical newyorkino del legendario conguero cubano Luciano "Chano" Pozo. Chano llegó a New York invitado por el cantante Miguelito Valdéz hacia 1.946. Después de trabajar con varias bandas latinas de poco renombre, Mario Bauzá le dijo que un amigo suyo estaba por formar una nueva banda y que quería un percusionista que conociera de ritmos cubanos. Ese amigo era Dizzy Gillespie. Al llegar Mario y Chano a la casa de Dizzy, Bauzá le dijo a éste: "Tengo un muchacho para ti, pero no habla inglés". "No importa" respondió Gillespie: "dejémosle que toque" Y cuando lo hizo fue contratado de inmediato.

El 29 de septiembre de 1.947, tras algunos conciertos en lugares pequeños, se hizo la presentación en sociedad de la nueva orquesta de Dizzy Gillespie. El escenario fue el Carnegie Hall, la famosa sala de conciertos situada en la esquina de la Séptima Avenida y la calle 57 Oeste. Chano Pozo fue el héroe de la noche con un espectacular show, en cual combinó sus toques de percusión con bailes rápidos en los momentos en que la orquesta mantenía el ritmo cubano. Esta pieza memorable fue Cubana Be, Cubana Bop.

A parte de esto, interpretó varios cantos afrocubanos en el lenguaje Yoruba, en honor a los Santos de la religión Lucumí, los cuales estremecieron a toda la audiencia. Gillespie, posteriormente expresó: "Yo no hablo castellano, y él no habla inglés; pero los dos hablamos africano". Chano y Gillespie son los compositores del otro himno del Latinjazz, Manteca; la cual ha sido versionada en una enorme cantidad de ocasiones.

Otro acontecimiento importante fue la aparición del Palladium, ubicado en el corazón de Manhathan, en la calle 53 y Broadway, a 200 metros del Radio City Music Hall, y a 300 del Carnegie Hall; y propiedad de Maxwell Hyman. El Palladium estaba sentenciado a la quiebra cuando llegó el administrador James Moore, quien inició la organización de las llamadas "Noches latinas", en la denominada sala "Blen Blen Club". Estos bailes latinos comenzaron hacia finales de 1.947 con al orquesta de Machito.

A mediados de 1.948, el Palladium estaba incapacitado de albergar a todo el público que deseaba entrar. Esto originó que todo el local se transformara en club latino, haciendo su aparición dos de los más grandes exponentes de la música caribeña de cualquier época: Los dos Titos: Rodríguez y Puente, quienes habían comenzado su carrera en la orquesta de José Curbelo.

Ernesto Javier Puente tenía 28 años para entonces, y había nacido en el East Harlem de New York, hijo de inmigrantes ponceños, quienes llegaron a la Gran Manzana cuando Tito tenía 4 meses de gestación. Pedro Pablo Rodríguez, de 28 años también, era oriundo de Santurce, Puerto Rico. El primero era vibrafonista y percusionista graduado en la prestigiosa Julliard School of Music of New York City; el segundo era cantante, con un extraordinario sentido del ritmo al momento de cantar guarachas y boleros, teniendo a su vez ciertos conocimientos de percusión. Al dejar la banda de Curbelo, Tito Puente organiza sus Picadilly Boys, y Tito Rodríguez sus Mambo Devils; pero al llegar al Palladium, ambos hacen nombrar sus orquestas por sus nombres.

En la década del 60, desaparece el Palladium, hace su entrada triunfal el Rock, y salvo excepciones de Cal Tjader, Mongo Santamaría y el propio Tito Puente; el Latinjazz al igual que el Jazz cae en cierto olvido.

Hacia el año 1.978, es cuando se puede decir que reaparece el Latinjazz, repotenciado esta vez por la superbanda cubana Irakere, quienes comenzaron a demostrar al mundo que Cuba es la cuna del ritmo en el Caribe. Esta impresionante orquesta, dirigida por Jesús "Chucho" Valdéz, hijo del memorable pianista de la Casino de la Playa Bebo Valdéz, sigue siendo un paradigma inigualable dentro de la música afrocari-beña.

Nacida en 1.972 de una división de la Orquesta Cubana de Música Moderna, desde el principio, Irakere, se dio a conocer por la potencia, calidad, genialidad y personalidad de todos sus integrantes. De esta banda han salido famosos solistas como Paquito D’Rivera, Arturo Sandoval, José Luis Cortéz "El Tosco", José Miguel Crego "El Greco" Carlos "Angá" Díaz, los espectaculares "Reyes de la Timba" NG La Banda y últimamente Havana Emsemble.

De igual manera, Tito Puente, en el año 1.984 grabó el disco "On Broadway" siendo su primera grabación donde interpretó únicamente Latinjazz, ganando el Grammy al "Mejor Album Latino" de ese año.

En el devenir de los años, el Latinjazz a asumido su rol como una de las principales manifestaciones del Jazz en el mundo, enriqueciéndose con la llegada de connotados salseros a su género. Grabaciones recientes de Eddie Palmieri, Ray Barretto, Francisco "Papo" Lucca bajo el nuevo Sello Disquero Tropijazz, han dado un enorme impulso a esta música.

En Venezuela, en los últimos años se ha cultivado excelentemente este género, por músicos como Alberto Naranjo, Andy Durán, Víctor Cuica, Frank Hernández, entre otros.

De igual manera, la aparición de nuevos excelentes músicos han inyectado nueva vitalidad al Latinjazz, como los cubanos Juan Pablo Torres (trombonista) y Jesús Alemañy (trompetista); los puertorriqueños Giovanni Hidalgo (percusionista), David Sánchez (saxofones alto y tenor) y Humberto Ramírez (trompetista); los newyorkinos Charlie Sepúlveda (trompetista), Hilton Ruiz (pianista) y David Valentín (flautista), el dominicano Michel Camilo (pianista), el panameño Danilo Pérez (pianista) y los venezolanos Eduardo "Ed" Calle (saxofones alto y tenor), Orlando Poleo (percusionista), Alfredo Naranjo (vibrafonista) y Rodolfo Reyes (saxofones tenor y barítono) con su orquesta "Salsa Jazz Band".

Estos y otros muchos excelentes interpretes han hecho que el Latinjazz sea uno de los género más escuchados en el mundo del jazz

Discografía de Latinjazz recomendada

Intérprete	Disco	Año	Sello disquero
Irakere	1.979	EGREM
Tierra en trance	1.985	EGREM
Dizzy Gillespie, Charlie Parker & Chano Pozo	Diz’ and Bird at Carnegie Hall	1.947	Roost
Paquito D’Rivera	Portraits of Cuba	1.998	Chesky Records
Arturo Sandoval	Danzón	1.994	GRP
Paquito D’Rivera & Arturo Sandoval	Reunion	1.991	Messidor
On Broadway	1.984	GRP
Golden Latin Jazz All Stars in Live at the Village Gate	1.992	Tropijazz
Un poco loco	1.987	Concord picante
Master timbalero	1.997	Concord picante
Ancestral Messages	1.993	Concord picante
My summertime	1.995	EMI
Lucumí, Macumba, Voodoo	1.976	Sony
Palmas	1.994	Elektra Records
Arete	1.995	Tropijazz
Vortex	1.996	Tropijazz
Machito	The Original Mambo Kings	1.947	Verve
Dizzy Gillespie & Machito	Afro Cuban Jazz Moods	1.977	Pablo records
Andy Durán	Latin Jazz Club	1.994	Lyric Jazz
Frank Hernández	Latinos d’Etiqueta	S/F	Producciones León
Tito Rodríguez	Live at Birdland	1.963	WS Latino